Convergences révolutionnaires

Dopesick

2022-02-20T19:03:11Z

Dopesick (« En manque ») est une des meilleures séries de 2021. Elle met en lumière tous les aspects du scandale sanitaire de l'OxyContin, qui a coûté la vie à plusieurs centaines de milliers de personnes au cours des trente dernières années aux États-Unis. Par certains aspects, ce scandale rappelle celui du Mediator en France.

En 1995, le laboratoire Purdue Pharma, développe un traitement qualifié de remède miracle contre la douleur. Le médicament, à base d'opioïde, promet de ne pas provoquer de dépendance et de soulager la douleur en continu pendant douze heures. Deux mensonges qui vont faire sombrer dans la dépendance des centaines de milliers d'Américains.

Etalée sur plusieurs années, la série retrace le combat de longue haleine contre le laboratoire pharmaceutique. On y suit notamment une agent des stups, en lutte pour faire changer l'autorisation de mise sur le marché par l'agence américaine du médicament (la FDA), et deux procureurs, qui vont s'acharner pendant plus de cinq ans à prouver la responsabilité des dirigeants du laboratoire dans le scandale. Tout y est dit : la complicité de l'agence du médicament, les relations avec les juges, les pressions politiques, etc. Même l'ancien maire de New York, Rudy Guiliani, est épinglé pour avoir aidé le laboratoire.

Le duo du docteur Finnix, un médecin d'une petite ville de Virginie, naïf et honnête qui prescrit de l'OxyContin et de son commercial de Purdue Pharma, met en lumière la relation complexe entre les médecins et ceux qu'on appelle en France les « visiteurs médicaux », ces commerciaux chargés d'inciter les médecins à prescrire leurs médicaments.

La série s'est aussi donné pour objectif de faire changer de regard sur les victimes de la dépendance et sur les vrais responsables de cette crise. Elle met en parallèle les victimes et le laboratoire, dont la principale défense est de rendre les toxicomanes responsables des dérives de son médicament. Le cas de Betsy est emblématique. Après une blessure du dos à son travail, cette jeune ouvrière des mines se voit prescrire de l'OxyContin et se retrouve prise dans la spirale de la dépendance.
La série montre bien que le capitalisme a un visage et, dans le cas présent, il s'appelle Sackler. Cette famille de multimilliardaires (leur fortune actuelle est estimée à dix milliards de dollars), propriétaire de Purdue Pharma, va s'enrichir sur l'OxiContin. Tout au long de la série, on suit leurs savantes machinations pour faire vendre toujours plus d'OxyContin malgré la montagne de cadavres qui s'accumule devant leur porte. Un exemple : en 2010, le laboratoire change la formule de l'OxyContin pour rendre le médicament plus difficile à écraser. Officiellement, il s'agit de lutter contre les toxicomanes qui écrasent les comprimés pour les sniffer. L'objectif réel est moins avouable : en modifiant légèrement la formule, les Sackler s'assurent de la poursuite du brevet (qui arrivait à terme) et de la non-concurrence des génériques.

Les scènes de dîner au milieu d'un musée, où l'on voit la famille prendre les décisions principales concernant l'entreprise et l'OxyContin, sont particulièrement révélatrices : encore aujourd'hui, les Sackler tentent de faire oublier leur rôle dans le scandale sanitaire en se présentant comme des philanthropes et de grands mécènes de l'art. Le Louvre, entre autres, a dû recouvrir la mention « aile Sackler » de ruban adhésif en 2019 après des manifestations organisées devant plusieurs musées contre l'affichage honorifique accordé à leur nom.

Guilaine Thomas

The Witcher d'Andrzej Sapkowski

2021-12-20T12:00:31Z

De la fantasy sur fond de lutte des classes

« Les soldats et les chevaliers ? Souvent des idiots. Et les prêtres ne veulent que de l'argent et baiser des adolescents. Alors qui ira tuer des monstres ? […] Des professionnels [1]. » C'est ainsi qu'Andrzej Sapkowski présente l'univers qu'il a créé en 1990 sous le titre original de Wiedźmin (The Witcher en anglais ou Le Sorceleur en français), et où se déploient les aventures du dénommé Geralt de Riv. La saga a connu de nombreuses adaptations, dont la plus renommée est le jeu vidéo produit par CD Projekt et la plus récente une série Netflix. Pour son créateur, Geralt de Riv est un professionnel, un individu dont le travail est de tuer des monstres. Oubliez la fantasy version Le Seigneur des Anneaux. Alors que J.R.R. Tolkien venait des campagnes anglaises du début du xx^e siècle, Sapkowki, lui, est né à Lodz, en Pologne, dans la zone contrôlée par l'Union soviétique. Il apporte une touche de roman noir et The Witcher propose un univers fait de rapports entre classes sociales, de guerres « sales », de discriminations, le tout agrémenté de créatures magiques et de prophéties. Au moment de la sortie d'une deuxième saison sur Netflix, en décembre 2021, tâchons de revenir sur la fabrication de l'univers de Geralt.

La retranscription d'une histoire médiévale… du travail

Sapkowski s'est inspiré de l'histoire de son propre pays pour concevoir sa série littéraire, dans laquelle il présente une société de classe. Son univers ne s'inspire pas uniquement des mythes slaves, mais de divers aspects de l'histoire de la Pologne. Il reprend une organisation similaire à celle du royaume polonais du xiv^e siècle, en y mêlant une géopolitique proche de l'Europe du xviii^e siècle. En plus de ces situations politiques de deux époques différentes, il s'inspire des rouages de la société féodale du xi^e au xiv^e siècle pour élaborer la structure économique qu'il décrit. Il y a des paysans (allant du riche laboureur aux serfs affamés et révoltés), placés sous la domination de seigneurs en quête de pouvoir et de rois corrompus et immoraux. Est bien montrée la domination des villes sur les campagnes, ces dernières étant la proie de diverses créatures. Il n'est donc pas rare de croiser deux paysans ou deux mineurs discutant dans une taverne des cadastres, du refus de travail ou encore de la mort à la tâche d'un compagnon. La série Netflix retranscrit bien cet univers pour en faire le décor de son scénario. Dès le premier épisode, le spectateur peut trouver attachante Calanthe, la reine du royaume Cintra. Mais les épisodes qui suivent reviennent sur son règne qui est traversé par des révoltes de serfs… que la reine massacre !

Il s'agit donc d'un monde où… les gens doivent travailler pour vivre. La question du travail est omniprésente, à tel point que les héros ne sont que des travailleurs, organisés sous la forme d'une guilde médiévale qui ne dit pas son nom. Les witchers doivent littéralement vendre leur force de travail pour gagner leur vie. Qui dit travail dit aussi rapports de classe : en dehors des paysans ou des serfs, il existe d'autres exploités. La série met en scène la préparation d'une révolte de mineurs face au roi Folstein, qu'ils accusent de les laisser en pâture à une créature créée par les péchés mêmes du souverain. Il est intéressant de noter que cette scène n'était pas présente dans le premier roman écrit par Sapkowski.

Fantasy et classes sociales

Dans cette histoire tout imprégnée de la confrontation des classes sociales, Sapokowski repense les codes du genre de la fantasy. Les guerres s'accompagnent de massacres et de viols dont sont victimes les exploités et les opprimés. Aux luttes entre les paysans et les seigneurs participent les créatures magiques qui s'insèrent ainsi dans cette société de classes. Ces mêmes créatures, placées aux marges de la société, aspirent souvent à la tranquillité, mais sont rattrapées par des enjeux socio-économiques qui les dépassent.

Un witcher se pose donc souvent la question de savoir qui est le monstre : la créature ou les hommes poussés par la soif de pouvoir ? C'est ainsi que, dans la ville de Novigrad, les banquiers, soutenus par l'Inquisition, ont commencé à traquer les sorcières pour s'approprier leurs richesses, pour pouvoir s'en prendre ensuite aux nains, qui ont la « main sur les finances de la ville ». Le lecteur, le spectateur ou le joueur suit les aventures d'un travailleur qui est confronté à des choix dans un monde où les logiques de classe prévalent sur les questions morales.

Tout est une question de choix

Des romans jusqu'à la dernière série sur Netflix, en passant par les jeux vidéo, l'histoire de The Witcher est une histoire de choix. Les witchers ont dans leur charte (de travail !) l'obligation de faire preuve de neutralité face aux décisions politiques. Pourtant, Geralt se retrouve souvent à devoir faire des choix ayant des implications sociales et, par moment, économiques. Décider de tuer ou de laisser partir le monstre qu'il pourchasse, intervenir ou non pour empêcher un viol en pleine ville, raisonner des paysans révoltés ou bien les soutenir : le witcher est amené à trancher.

Le thème du choix est donc central. Geralt rejette la politique du moindre mal et affirme que le refus de choisir est une voie impossible. Ensuite, il s'agit de s'interroger sur ce que représente l'inaction politique qui laisse les dominants user de leur supériorité sociale. Opprimés et exploités sont les premières victimes et ne pas intervenir revient à laisser la violence de classe s'exercer contre eux.

L'inaction a donc des conséquences concrètes, car Geralt laisse le plus fort agir. Ce constat de The Witcher invite à nous interroger sur notre propre société : comment agir face à la violence de classe ? Nous n'avons pas les possibilités d'action d'un witcher, mais n'avons-nous pas la force du nombre ?

Raoul Leblanc

[1] Interview d'Andrzej Sapkowski pour Eurogamer en 2017.

Squid Game, série télé de Hwang Dong-hyeok

2021-11-14T16:59:10Z

La série sud-coréenne Squid Game est en passe de devenir un des plus grands succès mondiaux. Au-delà ses qualités, il est permis de penser que cet engouement traduit un rapprochement des cultures et des peuples. Des spectateurs qui vivent aux quatre coins de la planète parviennent à s'identifier aux mêmes personnages, à comprendre instantanément les mêmes codes. Un tel triomphe d'une réalisation venue d'un petit pays d'Asie aurait été inimaginable voici encore quelques décennies quand la culture cinématographique hollywoodienne était encore, sinon hégémonique, du moins très largement dominante.

Renouvellement du thème des jeux sanglants

De quoi s'agit-il ? Des femmes et des hommes placés dans des situations insolubles sont amenés à se lancer volontairement dans une compétition à mort dans l'espoir de gagner une somme de 45,6 milliards de wons, soit environ 33 millions d'euros.

Le thème des « jeux sanglants » n'est pas original en soi et a déjà donné lieu à de nombreux films, parmi lesquels on peut citer Rollerball, Les Condamnés ou Le Prix du danger de Boisset, voire Les Chasses du comte Zaroff qui a connu plusieurs remakes. Mais le réalisateur, Hwang Dong-hyeok, parvient à renouveler le genre. D'une part grâce sa galerie de personnages qui représente une sorte d'échantillon crédible des victimes de la société capitaliste contemporaine : chacune est dotée d'une véritable personnalité et d'un environnement social. D'autre part, en dénonçant au travers de ces jeux la concurrence féroce à laquelle le capitalisme pousse inexorablement les exploités.

Une série profondément subversive

Loin de tomber dans la pornographie de la violence, il en souligne l'horreur. Squid Game aborde ainsi, mine de rien, des sujets comme le surendettement, qui sévit durement en Corée, le sort des migrants pakistanais, la situation des transfuges de Corée du Nord qui s'attendaient à trouver mieux. Il parvient même à évoquer la répression féroce d'une grève à laquelle a participé l'un des concurrents. Une séquence au cours de laquelle les joueurs sont invités à voter pour décider s'ils et elles veulent continuer à risquer leur peau pour du fric apparaît comme une véritable parodie de la démocratie bourgeoise.

C'est cet aspect subversif qui donne son caractère universel à Squid Game et lui permet de sortir du cadre du film de genre. Cette série s'inscrit dans le même esprit que les brûlots de Bong Joon-ho comme Snowpiercer et Parasite. Souvent, grâce au jeu des acteurs et des actrices et à certaines situations, cette série nous rappelle aussi les mélodrames italiens de la grande époque, tels que pouvaient en tourner Dino Risi ou Luigi Comencini. Si l'on ajoute que cette série, même si elle n'est pas parfaite, parvient à éviter le piège du délayage et des répétitions, que le scénario est bien construit et le suspense permanent, on comprend qu'il serait regrettable de s'en priver et qu'on attend avec intérêt une saison 2 aussi réussie.

Gérard Delteil

Article paru dans L'Anticapitaliste n^o 586

Sky Rojo

2021-05-14T11:24:21Z

2021, Espagne, Netflix, en cours.
1 saison, 8 épisodes de 25 minutes.

Gina, Wendy et Coral s'enfuient d'une maison de passe. Leur patron a tenté d'assigner l'une d'entre elles avant que les deux autres ne la défendent.

Les hommes de main de Roméo, Moises et Cristian font payer leur départ aux autres prostituées et commencent à traquer les trois femmes. Pendant cette course poursuite, on découvre le vécu de la prostitution à travers le regard des trois femmes. Violences, humiliations, viols, perpétrés par les macs et les clients sont leur quotidien et s'ajoutent au fait qu'elles sont prisonnières, dépossédées de leurs papiers, dans un cadre oppressant de menaces et violences permanentes.

Durant leur fuite se révèle l'histoire de leur vie de prolétaires migrantes : Gina veut retrouver son fils resté avec sa famille pauvre de La Havane et découvre que c'est sa mère qui l'a vendue à Moises contre l'envoi d'un loyer tous les mois, alors qu'elle croyait partir pour être serveuse. Wendy, qui vivait dans un bidonville en Argentine, a décidé de se prostituer pour sortir de la misère avec sa copine et échapper aux violences homophobes.

La série se perd parfois dans une esthétique de thriller outrancière, mais aborde finement son sujet à partir du vécu de trois femmes qui se révoltent pour retrouver leur liberté. La voix-off de Coral sort parfois de la narration pour exposer la prostitution comme l'une des pires violences auxquelles les femmes peuvent être confrontées.

Jeanne Navès

Le Jeu de la Dame (Queen's Gambit)

2020-12-15T15:16:13Z

Mini-série de Netflix, inspirée du roman éponyme de Walter Tevis publié en 1983, et réalisée par Scott Frank et Allan Scott. Sortie le 23 octobre 2020.

Mini-série vedette de Netflix en France, Le Jeu de la Dame a fait exploser les ventes d'échiquiers, tant aux États-Unis qu'en France ! Car c'est bien d'échecs qu'il s'agit, ce que la traduction française de la série ne laisse pas vraiment à entendre – queen's gambit, en français le gambit dame, est une ouverture du jeu d'échecs.

La série suit les aventures d'une jeune prodige américaine des échecs, Beth Harmon, orpheline au parcours chaotique, recueillie et ayant grandi dans un orphelinat catholique pour filles où une certaine bienveillance pour les enfants n'empêche pas qu'on les y drogue en leur administrant des sédatifs pour obtenir une discipline rigoureuse et des enfants sages à faire peur... Beth en héritera une dépendance aux drogues et à l'alcool qui lui jouera plus d'un mauvais tour.

C'est pourtant dans cet environnement que la jeune Beth est initiée aux échecs par le gardien de l'orphelinat, Monsieur Shaibel, jeu grâce auquel, petites pilules vertes aidant, elle s'évade mentalement de cet univers étriqué où la seule issue est l'adoption... Après avoir quitté l'orphelinat des années après y être entrée, la jeune Beth prendra son envol dans cet univers quasi-exclusivement masculin des échecs et ira défier les plus grands d'un jeu alors dominé par les grands maîtres soviétiques.

Les experts du jeu d'échec ont validé quasiment toutes les parties apparaissant à l'écran – il faut dire que les producteurs de la mini-série ont pu compter sur l'expertise de Garry Kasparov, ancien champion du monde ayant régné sur les échiquiers de 1985 à 2000 et dont on dit qu'il a été un des plus grands joueurs de l'histoire. Apparemment, tout est juste, jusqu'aux mimiques des joueurs pendant les parties et à leur façon de déplacer les pièces.

Mais pas besoin d'être joueur d'échecs, ni même de savoir y jouer, pour apprécier une série dans laquelle tout sonne juste. À commencer par le contexte des années 1960 toujours marqué par la guerre froide. Détrôner les grands maîtres soviétiques est un objectif que s'assignent des sectes chrétiennes dans leur combat contre les marxistes athées et elles financent généreusement les grands joueurs américains susceptibles d'y parvenir... À l'inverse, vu par les Soviétiques, « Ce jeu, qui mobilise des qualités de stratégie, d'analyse et de maîtrise de soi, était une façon de prouver leur supériorité intellectuelle. La puissance de l'esprit face à la puissance financière des Américains » [1], affirme l'historienne Émilia Robin Hivert, co-autrice d'un livre L'URSS et l'Europe de 1941 à 1957.

Au passage, on mesure ce que la vie des jeunes issus des middle class peut avoir d'étriqué dans une petite ville du Kentucky où l'horizon est à peine plus large qu'à l'orphelinat et où filles et garçons ne rêvent que de fonder un foyer et de reproduire la vie de leurs parents.

Pour en revenir au monde des échecs, les personnages qu'on y rencontre sont plus ou moins marginaux, tous attachants avec leur aptitude à se concentrer instantanément et leurs capacités cérébrales hors du commun... Et un côté déjanté qui les met aussi... hors du commun. Les réactions de ce monde d'hommes à l'ascension fulgurante d'une gamine sont apparemment un peu édulcorées. Un seul des adversaires de Beth Harmon, battu par elle – elle gagne quasiment toujours ! –, se lève en refusant de lui serrer la main – c'était bien plus fréquent, surtout dans les années soixante, si l'on en croit les témoignages de grandes joueuses d'échecs !
La série nous entraîne des États-Unis à Mexico, Paris et Moscou, et l'on retiendra les émouvantes scènes de ferveur pour les échecs en URSS, tant à l'extérieur des bâtiments où se déroulent les tournois que dans les parcs où, malgré le froid, des joueurs de tout âge s'affrontent avec passion. Le joueur et commentateur d'échecs Yannick Gozzoli a pu dire : « Demander si les échecs étaient populaires en URSS, c'est comme demander si le foot est populaire au Brésil » ! [2]

Le personnage, fictif, de Beth Harmon est captivant. Il semble être une synthèse de plusieurs grands maîtres, dont celui qui a fait tomber la domination soviétique sur le jeu en battant en 1972 Boris Spassky, l'Américain Bobby Fischer ! Mais c'est sans doute Judit Polgár, une grand-maître hongroise parvenue dans le « top 10 » de ce monde masculin – elle a battu Kasparov dans une partie forcément entrée dans l'histoire –, qui semble avoir servi de modèle au personnage de Beth Harmon, au moins sur le plan des échecs.

Le jeu des acteurs est superbe – la jeune Anya Taylor-Joy, qui incarne Beth Harmon, crève l'écran et a, à juste titre, été encensée par la critique.
Prévoyez de regarder le premier épisode un jour où vous êtes assez libre le lendemain...

Jean-Jacques Franquier

[1] Cette citation, comme un certain nombre d'informations reprises ici, est extraite d'un article très documenté de Faustine Mazereeuw paru sur le site de France-Infos, « Parties d'échecs, prouesses, contexte historique... La série phénomène « Le Jeu de la Dame » est-elle réaliste ? »

[2] Ibid.

Grand Army

2020-11-05T16:12:34Z

2020, États-Unis, Netflix

1 saison, 9 épisodes de 50 minutes

Le lycée Grand Army de Brooklyn accueille la vie lycéenne dans un décors chaotique, réaliste et révélateur de l'angoisse de l'avenir, de la pression scolaire et des nombreuses violences sociales. La noirceur de la série dévoile les souffrances créées par cette société. Un regard sur des jeunes des États-Unis : ce qu'ils subissent, et ce qu'ils n'acceptent pas.

Joey est une lycéenne qui se heurte, comme d'autres, aux violences sexistes. Siddhartha, fils d'immigrés indiens, ne trouve pas sa place et n'arrive pas à s'assumer malgré sa réussite scolaire. Dominique, d'une famille haïtienne, veut réussir ses études et, obligée de travailler en-dehors des cours, se retrouve submergée par l'urgence de sa condition sociale. Jayson et Owen, aspirants musiciens, voient leur rêve se briser lorsque l'un d'eux fait, du jour au lendemain, l'objet de mesures disciplinaires discriminatoires. Si ces jeunes issus de conditions différentes ne se comprennent pas toujours, ils se retrouvent parfois dans leur volonté de lutter contre les injustices qui leur sont imposées.

Loin de celle des mauvaises teen series, l'atmosphère de Grand Army rend palpable l'isolement de jeunes qui se débattent avec des problèmes qui les dépassent. Les quelques moments de solidarité et de lutte collective sont porteurs d'espoir, et contribuent à l'intérêt à la série.

À travers ses personnages, la série montre de manière crue le racisme, les contrôles permanents de sécurité, le sexisme et la pauvreté qui traversent la société américaine. Elle met l'accent sur les choix : accepter les injustices, se tuer à la tâche pour s'en sortir ou relever la tête quand c'est trop.

Jeanne Navès

Sex Education

2020-10-06T11:20:39Z

Sex Education, Grande-Bretagne, 2019, en cours.

2 saisons, 16 épisodes de 50 minutes, Netflix.

La série suit la vie de lycéens d'une sorte de Pays de Galles nommé Moordale du point de vue d'Otis, jeune garçon timide, bourré de craintes sur sa sexualité et qui vit avec sa mère sexothérapeute, ce qui n'arrange rien.

Un peu par hasard, il se retrouve à aider un camarade de classe à gérer ses relations sentimentales et sexuelles. Maeve, une camarade populaire et rebelle, entend leur discussion. Ayant besoin d'argent, elle pousse Otis à organiser dans le lycée un cabinet souterrain de sexothérapie, en s'appuyant sur ce qu'il connaît de la clientèle et des pratiques de sa mère.

Les « consultations » s'enchaînent au fil des épisodes. Couacs, méprises, amour et consentement : tout ce que peut générer la pression sociale autour de la sexualité, particulièrement exacerbée à l'adolescence, y passe. Les parcours variés et drôles des personnages vivant leurs vies malgré l'homophobie, le sexisme ou la pauvreté mettent aussi en scène des violences sociales dont on peut se défendre : les personnages réagissent, par exemple, collectivement contre l'humiliation d'une lycéenne dont des photos intimes ont été diffusées dans tout le lycée.

Tout en ayant leur charme, certains personnages sont un peu stéréotypés. La série véhicule des lieux communs dans l'analyse de certaines situations – le refoulement de l'homosexualité notamment. Mais elle pose un regard bienveillant sur l'adolescence et essaye tant bien que mal de mettre en scène des sujets historiquement auparavant peu évoqués dans les teen series.

Comme d'autres séries Netflix, une bonne synthèse, une bonne musique, de bons moments. Bref, Netflix diffuse une vision des relations entre lycéens un chouïa plus progressiste que la république couverte de la tête aux pieds de Blanquer.

Jeanne Navès

Snowpiercer

2020-06-19T09:55:25Z

Une série post-apocalyptique américaine créée par Josh Friedman et Graeme Manson.

Face au réchauffement climatique, les gouvernements ont choisi de refroidir la planète en projetant dans l'air des aérosols. Sans en contrôler les conséquences. La température chute, le monde se retrouve gelé et l'humanité, menacée.

Un milliardaire, M. Willford a construit un train géant de 1001 wagons, une arche de Noé sur rails en quelque sorte. Son mouvement perpétuel permet de fournir l'énergie nécessaire à ceux qui ont survécu et ont trouvé refuge dans ce train. Plus exactement, il a conçu ce train pour les milliardaires qui ont investi dans son projet, et qui sont logés dans la très luxueuse première classe. Les deuxième et troisième classes servent à loger le personnel qui leur est nécessaire. À l'image de la société, tout est organisé pour le confort et le bien-être de la première classe, et celle-ci sait s'organiser pour défendre ses intérêts. Rejoindre la deuxième classe (jamais la première), est le mirage de l'ascension sociale promis à la troisième classe. Il y a aussi les exclus, les « sans-classes », ceux qui sont montés de force dans le train au moment de son départ, qui n'ont plus jamais vu la lumière du soleil depuis et sont logés dans le taudis des wagons de queue, prévus initialement pour stocker les réserves. Ils sont séparés hermétiquement par la force et l'administration du train.

Sept ans après le départ du train, un meurtre particulièrement macabre est commis dans le train. Un ancien inspecteur de police, qui s'est retrouvé parmi les sans-classes, est choisi pour mener l'enquête qui va le mener d'un bout à l'autre du train, des taudis de l'arrière au luxe des premières.

À l'origine, une excellente BD par Jaques Lob et Jean-Marc Rochette, publiée en 1983-1984, Le transperceneige, adaptée en film [1], et désormais en série sur Netflix (en cours de diffusion). Lutte des classes, nature de l'État, racisme, mais aussi rôle de la religion et révoltes : on attend avec impatience la suite !

Clive Winnick

[1] Critique du film en 2013 dans Convergences révolutionnaires : Films

Treme

2020-05-12T11:16:59Z

C'est la Nouvelle-Orléans post ouragan Katrina. Le Tremé est un des plus vieux quartiers de la ville. On y suit, au gré de quatre saisons (36 épisodes de 60 minutes, diffusés entre 2010 et 2013), les parcours croisés de musiciens qui cherchent tant bien que mal à se trouver des gigs (concerts) pour boucler leurs mois ; de cuisiniers qui doivent eux aussi trouver comment faire tourner leur affaire dans une ville dont l'urgence est d'abord sanitaire. Il y a aussi un journaliste indépendant, amoureux de sa ville et déterminé à dénoncer tout ce qui la mine. Tous ces rôles, dont beaucoup sont inspirés de vrais « personnages », donnent vie à la richesse culturelle de la ville et chair à la réalité du quotidien de ses habitants – en particulier dans les quartiers populaires – quelques mois après le passage de l'ouragan qui ravagea une grande partie de la ville en 2005.

La réalisation et l'écriture tiennent du documentaire. La série veut tout montrer : la corruption, la spéculation immobilière dans les programmes de reconstruction, la volonté de chasser les pauvres hors de la ville, en passant par les bavures policières. Le récit est précis, attaché au moindre détail, mais emprunt de sincérité et de finesse. Les dialogues, en particulier, sonnent juste. C'était déjà la grande force de The Wire (Sur écoute), des mêmes créateurs, David Simon et Eric Overmeyer. Faiblesse de la force de Treme : ce qui capte d'un épisode à l'autre, c'est moins un récit haletant (l'angle « documentaire » domine) que la densité des personnages et de leur quotidien – servie par la qualité des acteurs.

Mais le personnage principal, ici, c'est la musique. Omniprésente. Musique des brass bands, fanfares aux sonorités jazz ou funk, musiques traditionnelles du carnaval, toute la variété et la richesse sonores de la ville. Si elle vous parle, pas de souci et que du plaisir ! Si les scènes de concert vous paraissent longues, tentez quand même l'initiation ! La Nouvelle-Orléans est l'un des berceaux de la musique funk – avec cette petite teinte particulière, issue des métissages de la ville. Découvrez Allen Toussaint, les Meters, les Neville Brothers, Lee Dorsey, etc.

Les réalisateurs de The Wire, ont aussi créé Generation Kill, saisissante « mini-série » sur la guerre en Irak.

Louis Marius

Une playlist de musiciens funk de la Nouvelle-Orléans :

– The Meters : Hand Clapping Song, https://youtu.be/iBuyAL-otK4

– Allen Toussaint, Get Out Of My Life, Woman, https://youtu.be/a-i3PLJQvno

– Allen Toussaint, We the people, https://youtu.be/n_1UIYmXmS8?list=TLPQMTIwNTIwMjDw-omxDG7TLA

– Aaron Neville, Hercules, https://youtu.be/bySudtwSwnY

– Cyril Neville, Gossip, https://youtu.be/r6aEQJwM1g4

– Lee Dorsey, Who's Gonna Help a Brother Get Further, https://youtu.be/ji0MwgJaqKA?list=TLPQMTIwNTIwMjDw-omxDG7TLA

– The Neville Brothers, Yellow Moon, https://youtu.be/L1Y6W1FaSVQ?list=TLPQMTIwNTIwMjDw-omxDG7TLA

– Rebirth Brass Band, Tubaluba, https://youtu.be/4PbGxaqMcdU

Babylon Berlin

2020-05-01T13:43:14Z

Babylon Berlin, Drame historique/Policier, 2017, Allemagne, en cours.

3 saisons, 16 épisodes de 45 minutes.

La série Babylon Berlin s'inspire d'éléments du Berlin de la République de Weimar, dix ans après l'écrasement de l'insurrection spartakiste qui a suivi la Première Guerre mondiale.

Dans la saison 1, la mieux réussie, deux intrigues sont menées de front : l'affrontement entre staliniens, « trotskistes », fascistes et aventuriers pour s'emparer d'un wagon d'or envoyé d'URSS, et la recherche d'un film pornographique compromettant par un policier traumatisé par la Première Guerre mondiale. Ces scénarios rocambolesques, s'ils nous tiennent en haleine, servent surtout de prétexte pour livrer un tableau éblouissant de Berlin à la veille de la grande crise. La misère sordide des taudis où s'entassent les prolétaires est décrite avec justesse, sans sombrer dans un misérabilisme facile, côtoie l'opulence et les fastes d'une folle vie nocturne sans équivalent en Europe. Les riches s'amusent et veulent oublier les ravages de la guerre et la colère populaire qui gronde.

L'épisode le plus impressionnant est la répression sanglante de la manifestation organisée par le KPD le 1^er mai 1929. Le préfet social-démocrate Zorgiebel envoya des automitrailleuses et fit tirer sur la foule pour montrer à la bourgeoisie qu'il était capable de mater Berlin la Rouge. Le KPD suivait à l'époque la ligne « classe contre classe » imposée par Staline, politique catastrophique qui contribua à la victoire du nazisme. Le KPD fut en effet totalement isolé et ne tenta rien pour entraîner les ouvriers influencés par la social-démocratie, envoyant ainsi ses militants à l'abattoir. On voit d'ailleurs dans cet épisode un beau personnage de femme, médecin, qui appelle les ouvriers à venger leurs camarades, selon les consignes du parti. Une ligne « ultra gauche » qui n'empêcha pas l'URSS de collaborer avec le gouvernement allemand pour lui permettre de se réarmer en secret, en dépit des clauses du traité de Versailles. D'où l'envoi de ce mystérieux train qui transporte, outre l'or, des containers de phosgène, le gaz mortel utilisé pendant la guerre. L'intrigue force sans doute le trait en risquant de présenter l'URSS comme une « grande puissance », alors que le régime soviétique était en fait aux abois.

La saison 2, toujours aussi agréable à regarder, poursuit l'intrigue autour du train, pendant que certains hauts dignitaires de la république de Weimar, de l'armée et la grande bourgeoisie complotent et visent à rétablir le Kaiser. Pendant ce temps, les nazis commencent à mener leurs campagnes antisémites. La saison 3 se passe après le krach de 1929 et devrait être diffusée en français dans l'année.

Le Berlin, des stations de métro, d'un cabaret (tenant autant d'une boîte de nuit que d'un lupanar), et des spectacles de music hall est fabuleuse. Les images, splendides, s'inspirent de l'esthétique expressionniste. Les références à Fritz Lang et Murnau sont évidentes et nombreuses. La série ne vaut pas tant pour sa précision historique – elle comporte même un certain nombre de contre-vérités [1] – que par le climat délétère de la ville qu'elle réussit à nous faire ressentir. Les personnages, attachants et souvent complexes, donnent beaucoup de crédibilité à cette fresque somptueuse. On apprécie, en particulier, les « zooms » sur les conséquences de la guerre sur la population, la vie de la classe ouvrière allemande du quartier populaire de Wedding, les provocations policières, la pègre, le développement de l'extrême-droite en tant qu'État dans l'État. Comme le souligne l'un de ses réalisateurs, Henk Handloegten, Babylon Berlin entre en résonance avec la situation actuelle quand, « pour la première fois depuis la chute de la République de Weimar, nous nous retrouvons dans une situation comparable en Allemagne, avec une partie croissante de la population qui se positionne à l'extrême droite » [2].

Clive Winnick

[1] Les trotskistes crient « Vive la IV^e internationale ! », alors que celle-ci ne sera créée qu'en 1938. Et rien ne corrobore leur massacre à grande échelle dans Berlin par des agents du GPU en 1929. Les grandes purges et campagnes d'assassinats d'opposants à Staline ne seront déclenchées que dans les années trente.

[2] Interview publiée dans Die Zeit, 29 septembre 2017.

Baron noir

2020-05-01T13:43:08Z

Baron noir, Politique, 2016, France, en cours.

3 saisons de 8 épisodes de 52 minutes.

Baron noir est une série française qui nous entraîne dans des coulisses de la vie politicienne bourgeoise où tout se jouerait à coups de com, de manœuvres et de story-telling. Toute la première saison tourne autour d'une affaire de détournement de fonds de campagne présidentielle : cela donne le ton !

Entre mensonges, petites combines, escroqueries, incitation au suicide, intimidation, falsification – le tout inspiré de faits très réels – les politiciens usent de toutes les méthodes possibles pour arriver à leurs fins et se faire élire. La politique pour ces « hommes d'État », c'est avant tout mener sa carrière le plus loin possible, cumuler des mandats, et détourner des fonds sans se faire attraper.

Des manigances qui n'échappent pas à la gauche. Des élus qui disent défendre les plus démunis, mais qui sont prêts à toutes les crapuleries pour faire passer leurs réformes. La gauche prête à envoyer des ouvriers en taule pour que son candidat soit élu n'a rien à envier à la droite. Tous les politiciens se mènent une guéguerre pour un État qui n'a qu'un seul rôle : la défense des intérêts de la bourgeoisie.

Ketty Altzer

Happy Valley

2020-05-01T13:43:06Z

Happy Valley, Policier, 2014, Royaume-Uni, en cours.

2 saisons, 12 épisodes de 60 minutes

Happy Valley est une série policière britannique produite par la BBC. L'histoire est centrée sur la vie de Catherine Cawood, une sergente de police divorcée qui se remet difficilement du suicide de sa fille et élève seule son petit-fils. Elle est obsédée par le retour d'un petit malfrat qui sort de prison et qu'elle juge responsable de ce suicide. Les deux saisons, de six épisodes chacune, sont construites autour de deux enquêtes très réalistes. Derrière ce drame social, aux allures parfois glauques, mais parfaitement écrit, c'est de la vie ordinaire dans cette vallée du Yorkshire où sévissent le chômage et le trafic de drogue qu'il est question. On pense forcément au cinéma de Ken Loach, dans Sweet Sixteen. La série a reçu, en 2019, le prix POLAR de la meilleure série internationale de télévision au festival de Cognac. Des rumeurs courent sur une troisième saison. On attend ça avec impatience !

Maurice Spirz

Mad Men

2020-05-01T13:43:04Z

Mad Men, Drame/Histoire, 2007, États-Unis, terminée.

7 saisons, 92 épisodes de 45 minutes.

La série comporte sept saisons qui se déroulent entre mars 1960 et la fin de l'année 1970.

Tout se passe dans le milieu de la publicité, à New-York, d'où le nom de la série qui renvoie aux hommes de Madison Avenue (une des grandes avenues new-yorkaises, où sont situées les principales agences de publicité). Le titre est évidemment un jeu de mot sur le sens de mad, fou, mais aussi sur ad men, pour advertising men, les « hommes de la pub ».

On y suit la vie d'une agence avec son travail pour des grosses boîtes américaines (de cigarettes, d'avions, etc.) à travers plusieurs personnages intéressants et attachants. Don Draper (interprété par Jon Ham), personnage principal, est un charismatique et mystérieux publicitaire, très doué dans son métier, grand séducteur… mais qui traîne un mal de vivre profond et des secrets. Peggy Olson (interprétée par Elizabeth Moss, vue dans de nombreuses séries dont The Handmaid's Tale) est une secrétaire qui devient rédactrice, ce qui est rare dans ce milieu très macho et ne va pas sans mal.

La reconstitution historique est très soignée – les costumes, les décors, l'ambiance : l'alcool coule à flots et on fume non-stop au travail, à la maison –, y compris dans la manière de filmer.

Harcèlement sexuel, misogynie ordinaire, racisme, antisémitisme, cynisme des affaires, argent-roi, hypocrisie sociale avec les mariages de façade où les hommes ont des liaisons… les thèmes abordés dans Mad Men sont nombreux et montrent une évolution lente mais continue des mentalités dans les années 1960.

Pour son créateur, Mad Men est une série de science-fiction dans le passé, car elle utilise le passé pour discuter de problèmes qui nous concernent toujours aujourd'hui !

Liliane Lafargue

Masters of Sex

2020-05-01T13:43:02Z

Masters of Sex, Drame, 2013, États-Unis, terminée.

4 saisons, 46 épisodes de 55 minutes.

Créée à partir du roman éponyme de Thomas Meier, Masters of Sex raconte le quotidien professionnel et affectif de deux chercheurs spécialisés dans l'étude des comportements sexuels, William Masters et Virginia Johnson, qui sont des personnages réels. Tous deux ont commencé leurs travaux dans le département d'obstétrique et de gynécologie de l'Université de Washington à Saint Louis, où Masters était un gynécologue-obstétricien très connu, au milieu des années 1950. La série commence avec sa rencontre avec Virginia Johnson qu'il recrute pour l'assister dans ses recherches sur la sexualité et sur le traitement des troubles et dysfonctionnements sexuels.

Leurs travaux, qui les conduisent à faire des expériences in vivo avec des volontaires, sont mal vus par le milieu médical conservateur de leur département et de leur université et ils finissent par ouvrir un institut de recherche indépendant à Saint Louis en 1964.

L'intérêt de la série est dans la découverte des travaux sur la sexualité menés par Masters et Johnson, sur fond de pudibonderie et hypocrisie, de préjugés très ancrés (hérités souvent de la religion) qui rendent malades… et dont les chercheurs, lui surtout, très coincé, ne sont pas exempts.

La vie sociale et amoureuse des protagonistes est aussi très bien rendue, avec leur évolution qui suit celle de la société (la série s'achève à la fin des année 1960), les changements de relations et rapports de force entre eux. Les personnages secondaires sont intéressants et attachants aussi (le médecin homosexuel refoulé, la prostituée reconvertie, l'épouse soumise qui se libère peu à peu).

Une série réjouissante et plus profonde qu'elle n'en a l'air.

Liliane Lafargue

Narcos

2020-05-01T13:42:59Z

Narcos, Drame/Policier/Biographie, 2015, États-Unis, terminée.

3 saisons, 30 épisodes de 45 minutes, Netflix.

En retraçant la montée et la chute de Pablo Escobar, dirigeant du Cartel de Medellín et principal narcotrafiquant de Colombie dans les années 1970-80, Narcos offre une vision historique très détaillée d'un pays coincé entre l'impérialisme américain et une de ses conséquences, le développement du trafic de stupéfiants. Pour une partie de la population vivant dans les bidonvilles, non seulement le narcotrafic est source de revenus, mais il apparaît à travers la campagne politique d'Escobar qui, à l'instar de tous les (autres ?) dirigeants politiques de la bourgeoisie, présente son action comme étant au service des populations, comme aidant à lutter contre la pauvreté : Escobar construit des hospices, écoles et quartiers, et ne manque jamais une occasion d'appeler à la chute des « oligarques » dirigeant le pays, soutenus par les États-Unis.

Les États-Unis, on les retrouve à travers la DEA (Drug Enforcement Administration) et la CIA, qui serviront à tour de rôle la politique extérieure de la bourgeoisie américaine et dont le narrateur de la série et principal protagoniste, l'agent de la DEA Steve Murphy – personnage réel qui a participé comme consultant au scénario de la série faite d'après le livre qu'il a co-écrit avec son collègue Javier Peña sur la traque d'Escobar –, se montrera assez critique en donnant de nombreuses clés contextuelles et historiques. Selon les besoins de la période, la traque d'Escobar amène les agents de la DEA à pourchasser des guérillas communistes, armer des milices d'extrême droite ou encore à soutenir d'autres cartels de drogue concurrents... Bien plus qu'un biopic c'est une plongée version Netflix dans la doctrine Monroe appliquée à la cocaïne.

Paul Levin

Peaky Blinders

2020-05-01T13:42:56Z

Peaky Blinders, Drame historique, 2013, Royaume-Uni, en cours.

5 saisons, 30 épisodes de 60 minutes.

La série nous offre une atmosphère librement inspirée du Birmingham ouvrier de l'Entre-deux-Guerre à travers l'histoire de la famille Shelby ; des bookmakers issus des Travellers – une communauté nomade irlandaise ostracisée à l'instar des Gitans ou des Roms – qui tentent de faire fortune dans les courses de chevaux. Conflit irlandais, militants communistes – certes caricaturaux –, manœuvres des lords anglais, le scénario traite de nombreuses intrigues. L'anachronisme assumé de la musique rock participe à l'esthétique très travaillée de la série.

Les Peaky Blinders – les « aveugleurs à visière », nom d'un groupe criminel éponyme ayant eu ses heures de gloire avant 1914 – font fortune en diversifiant leurs activités commerciales à coup d'assassinat, clientélisme, corruption, et règlements de comptes particulièrement violents, dont le coup de main rétribué par des patrons contre leurs travailleurs. Thomas Shelby, héros fictif de la série, comme beaucoup d'autres, rentre de la Grande Guerre avec la gâchette facile et des problèmes psychiatriques. Mais, ambitieux et d'une grande intelligence, il rêve de bien mieux que d'être le parrain des rues miséreuses de Birmingham.

Au fur et à mesure des saisons et de son enrichissement, il tente de se métamorphoser en Lord anglais et l'on s'éloigne des gangs de rue. Il investit dans l'industrie, change de style et se met en quête d'honorabilité – il deviendra même, dans la série, député du parti travailliste. Rejeté et méprisé dans les milieux bourgeois plus pour ses origines travellers et criminelles, il s'impose en exécutant le sale boulot des autres Lords. Sa fortune et son sens des affaires lui permettent de se faire reconnaître dans un milieu fait pour lui : le même jeu mais à l'échelle de l'Angleterre. Les codes n'ont rien à voir mais les logiques mafieuses restent les mêmes et les deux milieux qui semblent se rejeter se révèlent parfaitement complémentaires.

Parallèlement, sa carrière politique connaît le même succès. Il se fait élire à la chambre des Lords et s'allie au mouvement fasciste naissant. Mafieux ou Lords : la série dépeint très bien la transformation des Peaky Blinders de bandit à bourgeois comme un simple changement d'échelle et de costume.

Evan Yale

Queer as folk

2020-05-01T13:42:54Z

Queer as folk, Drame/Homosexualité, 1999//2000, Royaume-Uni//États-Unis-Canada, terminée.

2 saisons//5 saisons, 10/83 épisodes de 30-60//50 minutes.

C'était au précédent millénaire... En 1999, Queer as Folk débarquait sur les écrans anglais de Channel 4 et allait vite devenir culte dans le public homosexuel. Rien que des homos comme principaux personnages, c'était, à ce moment-là, du jamais vu dans une série télé ! Surtout qu'elle n'hésitait pas à jouer de tous les clichés, comme pour les renvoyer avec jubilation à la tête du spectateur.

On y suit les tribulations de deux gays de Manchester, l'un d'eux père biologique de l'enfant voulu par un couple lesbien, auxquels se joint un lycéen parti à la découverte des bars et boîtes de Canal Street. À l'approche de la trentaine, les plus âgés du groupe semblent avoir pour principale préoccupation de profiter de la vie avant de passer ce cap, synonyme à leurs yeux du début de la fin !

Dans Queer as Folk, il y a donc beaucoup de sexe (en images et en termes crus – une première aussi pour une série), de drague à la recherche du coup d'un soir, de drogue pour tenir la nuit en boîte avant de retourner au boulot le matin... Mais sans oublier, en toile de fond, l'homophobie en milieu scolaire, la difficulté d'un coming-out ou pour affronter les préjugés au travail.

Son succès immédiat a valu à la série un remake américano-canadien dès l'année suivante. Transposée à Pittsburgh, en Pennsylvanie, cette nouvelle version reprend les codes des dix épisodes de l'original anglais. Mais, en se poursuivant sur cinq saisons, de 2000 à 2005, elle aborde d'autres thèmes : la séropositivité à l'heure des trithérapies, le sida qui continue malgré tout à tuer, les rejets familiaux qui mettent des jeunes à la rue, voire sur le trottoir, les violences homophobes, le mariage homosexuel, les familles homoparentales, le vieillissement, etc. Rien de bien subversif toutefois, tant le point de vue reste celui d'un milieu petit-bourgeois, blanc et socialement conformiste malgré les apparences.

Reste que Queer as Folk a marqué une époque par l'apparition de l'homosexualité dans l'univers des séries télévisées des deux côtés de l'Atlantique. C'est, à ce titre, une sorte de document... et aujourd'hui une replongée à une époque où, il y a 20 ans, les applis géolocalisées sur téléphone portable n'avaient pas encore remplacé les chats devant un ordinateur à écran cathodique.

Gérard Wegan

Rebellion

2020-05-01T13:42:51Z

Rebellion, Drame historique, 2016, Irlande, terminée.

2 saisons, 10 épisodes de 52 minutes.

1916, alors que la guerre de tranchées charrie ses morts et ses mutilés sur le continent européen, les premiers frémissements du séisme anticolonial se font sentir dans la plus vieille colonie britannique : l'Irlande.

Dans la série Rebellion, on découvre la ville de Dublin par l'intermédiaire de différents personnages, principalement féminins : quartiers aisés de la bourgeoisie et taudis remplis de femmes et d'enfants démunis dont les époux et les pères sont partis à la guerre. L'écrasante majorité catholique vit sans droits civiques et dans la misère. Mais une minorité, constituée de nationalistes et de quelques socialistes, y prépare l'insurrection, le jour glorieux, qui permettra d'obtenir la création de la République d'Irlande gaélique et indépendante...

Cette série, réalisée pour commérer les 100 ans, de l'insurrection de Pâques, événement fondateur du nationalisme irlandais, évite de tomber dans l'hagiographie et le pathos. L'insurrection est montrée pour ce qu'elle fut : une prise d'armes mal préparée, n'impliquant que quelques centaines de partisans, se heurtant non seulement à la répression mais aussi et surtout à l'incompréhension des populations pauvres et ouvrières de Dublin. Pas d'héroïsme et pas de ces clichés éculés : Pearse, le principal dirigeant nationaliste, éructe des discours mégalomanes, puis ne se soucie que d'organiser sa mort et son martyr ; Conolly, formé au combat syndical et marxiste aux États-Unis, suit, mais sans parvenir à tracer une politique indépendante pour la classe ouvrière...

Cette série peut aussi être l'occasion de voir et revoir Le vent se lève, de Ken Loach, sur le même thème certes, mais qui met particulièrement en lumière l'important hiatus entre les intérêts exprimés par la bourgeoisie nationaliste irlandaise, favorable à un compromis boiteux avec la couronne britannique, et les travailleurs mobilisés souhaitant poursuivre le mouvement jusqu'à la révolution sociale.

Eli Bronson

The Americans

2020-05-01T13:42:49Z

The Americans, Drame/Espionnage, 2013, États-Unis, terminée.

6 saisons, 75 épisodes de 42 minutes, Netflix.

The Americans suit le parcours de deux espions soviétiques vivant aux États-Unis. Sous de fausses identités, Philip et Elizabeth, installés dans une banlieue pavillonnaire avec leurs deux enfants, semblent vivre le rêve américain. Leur couverture doit être parfaite, car ils sont des illegals, c'est-à-dire des agents secrètement présents sur le sol américain qui n'ont pas de passeport diplomatique. Et ce, d'autant plus que leur nouveau voisin, Stan, se trouve être un agent du FBI.

The Americans est, en premier lieu, une excellente série d'espionnage. Si l'on peut regretter quelques longueurs, l'intrigue est bien développée et les personnages complexes. Elle donne aussi une idée des méthodes des services secrets : le recrutement de sources (y compris en développant des relations amoureuses et sexuelles), le chantage et, bien sûr, l'assassinat, ciblé ou lorsque la couverture risque d'être éventée. Les méthodes clandestines d'échange d'informations, comme les messages codés ou les rencontres incognito, sont dépeintes de manière très vivante.

C'est aussi une occasion de se plonger dans l'atmosphère de la guerre froide des années 1980 : l'anticommunisme viscéral de Reagan, alors président des États-Unis, a pour pendant la chape de plomb du stalinisme, la bureaucratie et ses luttes d'appareil, et la corruption qui gangrène l'URSS. On retrouve ce face-à-face dans la politique extérieure des deux super-puissances. Philip et Elizabeth effectuent ainsi une mission d'espionnage technologique afin que l'Union soviétique reste à niveau dans la course aux armements. Dans une saison suivante, ils s'efforcent de mettre en échec le financement et l'entraînement militaire des Contras [1] par les États-Unis. La loyauté de Philip est par ailleurs mise à l'épreuve par l'invasion de l'Afghanistan par l'URSS, qui s'enlise alors dans une guerre qui durera 10 ans.

Cette série interroge le rapport à l'engagement politique. Les deux espions estiment agir au nom du communisme et d'un avenir meilleur, même lorsque leurs actions mettent en danger leur famille ou lorsqu'elles s'opposent à leurs valeurs morales. Ils sont de plus aux prises avec l'État soviétique qui, rappelons-le, n'a plus grand-chose à voir avec les idéaux de la Révolution d'octobre, et même avec ce qu'il était avant le triomphe du stalinisme. La défense de la « patrie du prolétariat » est devenue une simple défense des intérêts diplomatiques de l'URSS, voire de certaines fractions de son appareil d'État. Ce qui n'empêche pas, comme l'ont d'ailleurs fait les partis communistes dans tous les pays où ils existaient, les responsables du KGB de cultiver les références à la révolution émancipatrice pour recruter parmi les opprimés, comme les Noirs américains.

La série se conclut en apothéose par une sixième saison haletante qui montre les débuts ambigus de la perestroïka [2], nous recommandons donc de la regarder jusqu'au bout !

Martin Castillan

[1] Les Contras étaient des milices d'extrême-droite actives de 1979 à 1990 et mises sur pied pour faire échec à la révolution sandiniste au Nicaragua.

[2] La Perestroïka et la Glasnost désignent un ensemble de réformes de « libéralisation » économique menées par Gorbatchev à partir de 1985. Dans la réalité, ce fut la réintroduction de l'appropriation privée, prélude d'un développement capitaliste dans les pays de l'ex-URSS : les infrastructures économiques furent pillées par les couches supérieures de la bureaucratie soviétique, pillage à l'origine des immenses fortunes qui s'y sont constituées.

The Boys

2020-05-01T13:42:45Z

The Boys, Super-Héros/Comédie/Drame, 2019, États-Unis, en cours.

1 saison, 8 épisodes de 1 heure, Prime Video.

Dans un monde fictif, les super-héros se sont laissé corrompre par la célébrité et la gloire. Ces héros, réunis dans le groupe des Sept, sont protégés par une multinationale, la Vought International. Cette agence spécialisée dans la promotion des super-héros fait un chiffre d'affaires colossal à partir des figures populaires, tout en les protégeant de la justice. Dites « au revoir » au principe selon lequel « de grands pouvoirs impliquent de grandes responsabilités », car les Sept ne s'intéressent pas aux innocents et ne recherchent que la fortune.

Basée sur la bande-dessinée de Garth Ennis et Darick Robertson, la série The Boys se veut une critique de la société de l'image et de la consommation, mais aussi du pouvoir des lobbies sur la société. Les actions des héros, chiens de garde des puissants du monde, invitent à réfléchir sur le fonctionnement pervers de la société actuelle : des individus échappant à la justice par le pouvoir de l'argent et de l'image ; l'organisation d'une entreprise qui réduit les femmes au rang de jolis sourires devant assouvir les désirs de leurs patrons ; une société en apparence prestigieuse, mais au fond avait tout mercantile. Enfin, la série fait suite au grand boom des films de super-héros de Marvel, questionnant ainsi le rôle de personnages prônant des idées inverses à celles idéalisant le capitalisme.

Raoul Leblanc